Fanny, 1961

«Fanny»

Joshua Logan

USA 1961

v.o.s.

Desde luego es una producción extraña. ¿Qué hace un director estadounidense como Joshua Logan (Texas 1908-1988) muy valorado a pesar de su escasa filmografía (once títulos), en un proyecto tan francés?

La historia se basa en la trilogía marsellesa de Marcel Pagnol (1895-1974) y a su «Fanny» de 1932. Absolutamente francés.

Para ello se rodean de actores franceses que son muy conocidos en el mercado de Estados Unidos: Leslie Caron (quizá un poco mayor para el papel, ya que tiene treinta años), Maurice Chevalier, Charles Boyer, y el alemán (también muy popular por «Los siete magníficos» y del mismo año «Un, dos, tres») Horst Buchholz, en los papeles principales, aparte de algún secundario destacado.

Fanny es una chica muy joven de dieciocho años hija de una pescadera del puerto de Marsella que desde siempre está enamorada de Marius,  el hijo del tabernero de enfrente un año mayor que ella. Marius también la quiere, pero desde siempre ha estado loco por marcharse con uno de esos grandes barcos que atracan en el puerto y ver todos los mares. El chico se va y Fanny descubre que está embarazada. Para no caer en la deshonra se casa con un viejo viudo monsieur Panisse que tiene una fortuna gracias a la construcción de velas de barco.

Así explicado la cosa no puede parecer más rancia, melodramática y anticuada, pero… no lo es. En primer lugar todo está explicado de la forma más exquisita posible, sin evitar las connotaciones negativas de las situaciones y acciones, pero resaltando, por encima de todo, los buenos sentimientos. Los interpretes son maravillos, los dos papeles (muy intensificados para bien) de los hombres mayores: el padre de Marius, Cesar=Charles Boyer y Panisse=Maurice Chevalier son una delicia.

Al principio pensaba que sería un musical. Pero no lo es. Luego un dramón melodramático, tampoco. Es una película encantadora.

Otro aspecto positivo es que está rodada en Marsella y bastante en exteriores, lo que supone un gran atractivo.

Hay algo que no puedo dejar pasar. Hay cierta cantidad de primeros planos de Leslie Caron que dan la impresión de estar rodados después y colocados en la cinta.

Mayor Dundee, 1965

«Mayor Dundee»

(Major Dundee)

Sam Peckinpah

USA 1965

v.o.s.

En las postrimerías de la guerra civil americana (1864). Nuevo Mexico. Un cabecilla apache se mueve entre fronteras y causando destrucción y muertes. El Mayor Dundee (Charlton Heston) es un militar nacido en el Sur pero leal al Norte. Tiene a su mando una especie de cárcel en la frontera con compañeros confederados rebeldes. La necesidad de reducir al grupo apache y la falta de efectivos disponibles obliga a montar una tropa diversa de entendimiento complicado.

A pesar de que lo que se hace en primer momento es fortalecer el argumento de que es necesario e imprescindible acabar con el belicoso grupo indio, inmediatamente es evidente que cada uno va por su lado con intenciones contradictorias.

La película tuvo graves problemas de todo tipo. El más importante fue el de la duración de la película final, con pérdidas de material en montaje. La copia de casi 150 minutos resulta parcial. Sobran algunas cosas, faltan otras. Me sobran las chicas, desde luego, con un mínimo, mínimo hubiera sido suficiente. En cambio, la amistad/enemistad, relación de compañerismo podría dar más de sí.

Se apuntan cosas bastante complicadas como la relación entre las diferentes facciones, a las que además añaden los afroamericanos, lo que da pie a una de las mejores escenas: cuando el soldado confederado le pide al negro que le quite las botas. Otro tema controvertido es saber que el pueblo liberado, por mucha fiesta que hagan, la alegría les va a durar lo que les dura.

Gran parte de las escenas de lucha son de noche, por lo que son oscuras y confusas. Y en general todo el material es algo inconsistente.

Sin embargo, un Peckinpah es un Peckinpah, aunque sea menor. Ese sentimiento de estar explicando un mundo de deseos e intenciones que no van a ninguna parte, ese colocar a diferentes personajes que te llegan (Richard Harris, James Coburn, Jim Hutton, Senta Berger,Warren Oates, Michael Anderson Jr.) : el corneta, el explorador manco, el indio perro de campamento, el indio que es lo que no parece, el reverendo, el desertor, el teniente despistado, el roba caballos, etc.  Ménuda colección de personajes bien logrados.

Me deja la sensación de buen cine. De creación. De corazón. De querer contar cosas. Transmitir sensaciones y desesperanzas. Nada que ver con cosas industriales palomiteras.

Su juego favorito, 1964

«Su juego favorito»

(Man’s Favorite Sport?)

Howard Hawks

USA 1964

v.o.s.

Comedia en color con Rock Hudson, Paula Prentiss como protagonistas entre una colección de secundarios siempre eficaces.

Un afamado vendedor de artículos de pesca al que todo el mundo consulta e incluso ha escrito un libro, nunca ha pescado.  Una chica atolondrada y decidida lo pone en el compromiso de participar en un concurso de pesca. Cada escena es una ocasión para dejar en ridículo al personaje de interpreta Rock Hudson.

Se mantiene estupendamente y es divertida.

Si quieres ser millonario…, 1969

«Si quieres ser millonario no malgastes el tiempo trabajando»

(The Magic Christian)

Joseph McGrath

Reino Unido 1969

v.o.s.

Comedia satírica en la que se critican los valores de una sociedad obsesionada con el dinero. El ultramillonario Sir. Guy Grand (Peter Sellers) soltero y sin hijos, adopta a un vagamundo (Ringo Starr) que le cae bien y lo convierte en su hijo adoptivo. Ambos se dedicarán a comprobar cómo con dinero se puede subvertir cualquier norma establecida dejando en evidencia la hipocresía social.

Todo ello está realizado de forma divertida y absurda. Peter Sellers repite un papel que solía interpretar siempre con la misma eficacia y sin que el paso del tiempo haga mella en ello. Recuerda un poco el estilo de los Monty Python y de la época en general.

Pensaba que la cinta no habría aguantado el paso del tiempo, como ha pasado con muchas de este tipo, pero me he reído bastante y he encontrado muy graciosas todas las escenas. Se podría hacer perfectamente un ramake «igual» ahora. Peter Sellers está como siempre y Ringo Starr sorprende por su buen encaje en el proyecto. También hay abundandes cameos de actores muy conocidos del momento: casi todas las intervenciones son buenísimas; la parodia de Hamlet con Laurence Harvey o el momentazo (para no perdérselo) de Yul Brynner.

He disfrutado muchísimo.

Rebelión a bordo, 1962

«Rebelión a bordo»

(Mutiny on the Bounty)

Lewis Milestone

USA 1962

v.o.s.

 

El motín del navío «Bounty» de 1789, historia real por la que el cine siempre ha mostrado una predilección incuestionable, fue llevada a la pantalla en cine mudo (1916), luego hablada en blanco y negro con Charles Laughton y Clark Gable en 1935, después esta versión en color 70mm de 1962, y finalmente en 1984 con Mel Gibson y Anthony Hopkins.

Esta versión de 1962 con Marlon Brando y Trevor Howard podría haber sido la definitiva, ya que aparte de la espectacularidad de la filmación, se rodó en escenarios naturales y figurantes de los mares del sur. Sin embargo, el final no corresponde a la verdad de los hechos por lo que hace necesaria la versión de 1984, que ahora no recuerdo bien. También es un problema haber vestido a los indígenas todos iguales y a las nativas con pudurosos y estratégicos collares de flores.

Por otro lado, las interpretaciones no son todo lo buenas que cabría esperar. Yo recordaba a un Brando más inspirado, que no lo está. Y el personaje de Richard Harris anula a casi todos los demás de forma negativa.

El mago, 1968

«El mago»

(The Magus)

Guy Green

Reino Unido 1968

v.o.s.

 

Está basada en el libro del mismo título de John Fowles que también firma el guion. Un joven inglés de 25 años (un no tan joven Michael Caine, 35) llega a una remota isla griega para enseñar inglés en una escuela. En la aburrida isla descubrirá a un misterioso hombre que se empeña en hacerle participar en toda una serie de juegos psicológicos.

Absurda, onírica… La historia es confusa, aunque el guionista es el mismo autor. No sé si leyendo el libro se puedan llegar a conclusiones más claras.

Arreglo de cuentas en San Genaro, 1966

«Arreglo de cuentas en San Genaro»

(Operazione San Genaro)

Dino Risi

Italia 1966

v.o.s.

 

San Genaro patrón de Nápoles tiene una iglesia llena de tesoros procedentes de ofrendas. A un excombatiente americano de la segunda guerra mundial se le ocurre la idea de cometer un robo con la ayuda de la delincuencia local.

Una gran película de Dino Risi, maestro indiscutible de la comedia italiana. Obras al parecer irrepetibles, porque ahora no las hacen. Con algunos momentos sublimes como cuando Nino Manfredi mira a una familia que vive al aire libre en una azotea algo más baja que su terraza y la chica, guapa y joven, corre una cortina para no ser vista.

Oportunidad para redescubrir a un grande de la comedia italiana, Nino Manfredi. Una actuación extraordinaria dentro de su aparente casi no hacer nada. Un actor extraordinario apenas recordado hoy en día.

Boeing Boeing, 1965

«Boeing Boeing»

John Rich

USA 1965

 

Comedia de enredo con muchas puertas que se abren y se cierran. Seguramente por ello fue después adaptada para el teatro.

Un corresponsal estadounidense (Tony Curtis) en París tiene montado un harén de tres azafatas calculando sus diferentes días de vuelo. La llegada de un nuevo modelo de avión más rápido trastocará los horarios provocando situaciones irresolubles. La llegada de un amigo (Jerry Lewis) dará más juego a la comedia.

En su momento esta película tenía bastante gracia y nadie se planteaba lo machista que era, con la inclusión de las medidas de las azafatas como si fueran objetos. Ahora lo vemos con otros ojos y como el elemento comedia es limitado, tampoco invita a más.

Hay que destacar la imprescindible presencia de la actriz Thelma Ritter, que aunque repite el mismo papel de casi siempre, es una delicia.

Jerry Lewis deja atrás sus personajes y aquí se limita a hacer de actor correctísimamente, incluso de actor atractivo, siguiendo el guion que le han propuesto.

Jerry Calamidad, 1964

«Jerry calamidad»  (The Patsy)

Jerry Lewis

USA 1964

v.o.s.

 

Ayer 20 de agosto falleció el actor Jerry Lewis a los 91 años. El mejor homenaje: ver alguna película suya.

Una estrella del espectáculo fallece. Su equipo artístico: manager, secretaria, guionista, director, etc. deben plantearse buscar nuevo empleo, pero dado que si alguno de ellos hubiera faltado se hubiera buscado un sustituto, podría ser buena idea reemplazar al propio fallecido. Encuentran un chico (Jerry Lewis) que trabaja de botones y ponen en marcha la maquinaria de fabricación de una estrella, aunque no será fácil encontrarle el talento artístico.

Hay una crítica a la publicidad, promoción, amiguismo, etc. como clave de posible éxito en el mundo del espectáculo. En este filme Jerry es también el director con lo que tiene total libertad creativa, pero también esa falta de medida que suele caracterizar a los cómicos en estos casos.

En este blog ya he comentado varias cintas del actor cuya recepción ha cambiado con los años. Es un humor muy trabajado, muy inspirado en el cine mudo, muy físico y bastante blanco. Aunque el aspecto de ingenuidad extrema es algo que soporta mal el paso del tiempo.

Un extraño en mi vida, 1960

«Un extraño en mi vida»  (Strangers When We Meet)

Richard Quine

USA 1960

v.o.s.

 

Urbanizaciones de clase media alta, finales de los cincuenta, colores saturados, gente con pocas preocupaciones que se aburre de su vida en teoría idílica… es fácil necesitar un romance para darle brillo a la cosa.

Kirk Douglas es un arquitecto con futuro, casado felizmente con dos niños. Kim Novak una demasiado guapa ama de casa con niño y marido aburrido… los dos abocados a ser infieles.

Esto que podría ser y de hecho, normalmente es, una fantasía de ama de casa de clase media baja, Evan Hunter en su novela y en el guion, lo convierte en algo un poco más sofisticado al convertir al hombre en un arquitecto con ideas, mencionar de paso a la Bauhaus y construir una casa en una colina.

Este tipo de cine sería bastante invisionable si no fuera por la serie de TV «Mad Men» y es que ver en «original» de dónde sale ese estilismo, formas de pensar y decoraciones, resulta de lo más sugestivo.

La primera es la original de Evan Hunter. Las otras son otras novelas perpetradas con el mismo título, cuyo acaramelado contenido puede adivinarse por las portadas

 

Topkapi, 1964

«Topkapi»  (Topkapi)

Jules Dassin

USA 1964

v.o.s.

 

Dos ladrones expertos crean un grupo heterogéneo de personas para el robo de una de las joyas del museo Topkapi en Estambul. Clásica y exitosa producción del género «robos» en clave de comedia sofisticada. El director estadounidense, pero de padres judíos rusos, Jules Dassín tenía una posición complicada en su país por haber sido de filiación comunista, por lo que debió rodar en el extranjero. Desde 1966 hasta su muerte estuvo casado con la actriz griega Melina Mercuri, protagonista de esta cinta.

A pesar del tiempo transcurrido la cinta se mantiene bastante bien y es, desde luego, un clásico del género de robos muy preparados y complicados. El tono de comedia cosmopolita, buena dirección, con un colorido reparto basado en secundarios con carisma, una Melina Mercuri de gran vitalidad y la sobria y discreta presencia de Maximilian Shell dejan la sensación de buen cine.

La piel quemada (1967)

«La piel quemada«

Josep Maria Forn

España 1967

blanco y negro

Repasando un poco los títulos de aquella época y temática concluyo que esta película es casi una obra maestra.

En Lloret de Mar (Costa Brava de Cataluña) trabaja como albañil José, un andaluz que ha huido de la miseria extrema y sin futuro de su tierra. En Lloret con el boom del turismo hay faena para rato y José no solo descubre una pequeña prosperidad que le permite alquilar una barraca, sino también asomarse a una sociedad que ha pegado un brinco de cien años hacia el futuro. Al José le llegan al día siguiente su mujer y sus dos hijos para vivir con él, así como su hermano pequeño para trabajar en la obra. Su última noche de soltero la pasará de farra.

Película extraordinaria y modélica en su guion, diálogos y en el tratamiento de las circunstancias de la emigración de los años sesenta, cuando estaba pasando. Una crítica feroz del momento que sorprende pudiera estrenarse en época de Franco.

Una realización magistral en blanco y negro. Con una historia llena de matices y de detalles.

Supongo que la película no es muy renombrada por aquello que a nadie le gusta verse reflejado en ella: ni los andaluces de miseria, ni los catalanes pagados de sí mismos. Es además una de las pocas obras que se ven en completo bilingüísmo con el componente realista que ello proporciona.

No está rodada en Barcelona, sino en Lloret de Mar, pero para el caso tiene la misma utilidad de ilustrarnos sobre el paisaje humano y físico de esas fechas.